Todo el cine actual y de antaño

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Madeleine Elster

  Todo el cine actual y de antaño

Un momentin que me puedo conectar

Catherine Deneuve recuerda a Buñuel en Venecia al recoger su León de Oro, 55 años después de Belle de Jour
https://informalia.eleconomista.es/famo ... e-Oro.html



Paul Schrader tambien tendrá su Leon


+VENECIA 22
SophieT escribió: 04 Sep 2022, 14:49
MIA,el primer look me chifla


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Los protagonistas han jugado con la vida y han perdido. Han buscado una
alternativa a la pareja y han fracasado. Han creído profundamente en la fraternidad y
han encontrado la guerra. Han venerado la poesía y han hallado también la
destrucción. Han buscado el amor para descubrir que éste se pierde siempre al
encontrarlo. Su fracaso, empero, es más que honorable, puesto que construyen un
camino y tanto ellos como Truffaut nos enriquecen infinitamente, más allá de la
equivocación, al permitirnos compartir su búsqueda
https://www.fepal.org/images/REVISTA2000/brainsky.pdf

JULES ET JIM
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https://64.media.tumblr.com/7a4bd244624 ... 594254.jpg

Jules y Jim son dos jóvenes mujeriegos e imaginativos que disfrutan de la vida sin pensar en el mañana: comparten inquietudes artísticas, se relajan en el gimnasio y se divierten en los bares. Jules, alemán, es el más inocente, entrañable e impresionable de los dos; Jim, francés, es más reflexivo, observador y prudente. Ambos se complementan a la perfección, soñando siempre con la mujer imposible, que de repente aparece en sus vidas respondiendo al nombre de Catherine. Catherine es la esencia femenina hecha persona, la diosa atemporal encarnada en hembra, el vivo reflejo de esa estatua clásica, de belleza equilibrada y perfecta, que un amigo les muestra un día. Al poco de conocerla, Jules desaparece de la vida social de París, dedicando toda su atención a esta mujer fascinante. Pasado un tiempo, Jules invita a su mejor amigo a una velada en compañía de él y Catherine, no sin antes avisarle de que no compartirá a esta mujer. Los tres se convierten al instante en amigos inseparables.
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Uno de los puntos álgidos de la Nueva Ola francesa,una película que, con su retrato del amor libre y la amistad masculina, se convirtió en un éxito mundial. La película a menudo se ha caracterizado por estar a la vanguardia de la revolución s*xual, desafiando las nociones convencionales?¿ O no tanto?¿
La búsqueda incesante del amor perfecto, que JULES ET JIM representa solo puede terminar en
desilusión o desastre. Esta idea, que los seres humanos nunca pueden ser totalmente felices en el amor y deben aceptar sus limitaciones, se convertiría en el tema subyacente de la obra de
Truffaut, y se confirmaría en la vida personal del propio director.Cuestión de compromiso.

Basada en una novela semiautobiográfica de H Roché, ex coleccionista de arte y comerciante, la escribió
en 1953 a los 73 años, y el libro era prácticamente desconocido hasta que Truffaut hizo su
adaptación cinematográfica. Fue por casualidad que Truffaut, entonces prometedor crítico de cine, se topó
con la novela mientras hojeaba en una librería. Lo que más le llamó la atención de la obra fue su inocencia compaginada con sus referencias abiertas al amor libre. Después de haber escrito una crítica entusiasta del libro, Truffaut comenzó a mantener correspondencia con Roché, entonces postrado en cama, y ​los dos fomentaron una estrecha amistad.

No fue hasta que hubo realizado dos largometrajes que Truffaut se sintió seguro
para adaptarla.. Aunque su ópera prima había sido un gran éxito, su segunda película, Tirez sur le pianiste (1960) fue un fracaso comercial y de crítica, y Truffaut necesitaba otro éxito si quería seguir trabajando como cineasta independiente.


Necesitaba éxito pero estaba igualmente decidido a permanecer lo más fiel posible a la novela,no se contentó simplemente con contar la historia contenida en el libro; quería transmitir su esencia, poesía y humanidad.
Los problemas se agravaron economicamente Después de las pérdidas que había sufrido con su última película,este nuevo trabajo tendría que realizarse con un presupuesto reducido.

Al principio, Truffaut se mostró reacio a hacer la película como una pieza de época, ya que esto seguramente
aumentaría el costo. Fue su coguionista J Gruault quien lo convenció de que el gasto adicional de un
escenario de época estaba justificado, si no esencial, para la veracidad de la película. Uno de los aspectos
interesantes es que, mientras que el vestuario y la escenografía cambian gradualmente a lo
largo de los veinte años de historia, los personajes principales no muestran signos externos de
envejecimiento. La transición es interna y solo Jules y Jim parecen verse afectados, su exuberancia juvenil da paso a la pasividad de la mediana edad.Catherine,por el contrario, no tiene edad..es inmutable como la estatua de piedra de enigmática semejanza. Ella es una
fuerza de la naturaleza, más allá del tiempo, y desde nuestra perspectiva, su vida parece no tener dirección ni
propósito. Su razón de ser, su loca búsqueda de amor, es a la vez eterna y sin sentido
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La decisión más fácil que tuvo Truffaut fue elegir a J Moreau para el papel de Catherine. Cuando era
crítico, Truffaut se enamoró de Moreau; una vez la describió como "la plus grande
amoureuse du cinéma français", alguien que existe simplemente para amar y ser amado. (O Welles más
tarde se refirió a ella como "la mejor actriz del mundo"). Durante la década anterior, Moreau se había estado
puliendo como actriz en una serie de thrillers y melodramas mundanos antes de que su
verdadero talento fuera revelado en las innovadoras películas de Malle Ascenseur pour l'échafaud
(1958) y Les Amants (1959). Era el retrato de Moreau de la esposa infiel en Les Amants lo que le dio cierta
notoriedad, estableciéndola en el papel de la mujer moderna totalmente liberada (una de las primeras del
cine). Ninguna actriz según el director se adaptaba mejor para el rol de Catherine.En algunos aspectos sí me parece acertada,en otros: candidez,vulnerabilidad no la termino de ubicar,es un papel harto dificil con muchas capas...

Encantada de trabajar con Truffaut en su tercera película,hizo lo que pudo para ayudar en lo que era una producción limitada económicamente (incluso permitió que su Rolls-Royce se usara para transportar equipos de cámara y accesorios). Uno de los recuerdos más vividos de Moreau es la secuencia en la que Catherine salta al río Sena mientras Jules y Jim discuten alegremente sobre el trato machista de Strindberg a las mujeres. Originalmente,el salto debía haber sido realizado por un doble de riesgo, pero este último logró emborracharse tanto (con el ron que le dieron para calmar sus nervios) que, al final, Moreau no tuvo más remedio que hacerlo ella misma.

El casting de los dos protagonistas masculinos fue más problemático. Para el papel de Jules, Truffaut
inicialmente consideró a la estrella en ascenso del cine italiano Mastroianni, pero luego decidió que
necesitaba un actor de habla alemana si quería ser fiel a Roché. Recordó a O Werner, un
actor austriaco de teatro y cine que le había impresionado en Lola Montès (1955) de Ophüls.
Resultó que Werner fue tan perfecto para el papel de Jules como Moreau lo fue para Catherine y aquí es
donde ofrece su mejor interpretación en pantalla. Para Jim, que se inspiraba mucho en el
propio Roché, Truffaut eligió al desconocido actor francés H Serre, debido a su sorprendente parecido
físico con Roché de joven
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Otro colaborador importante de la película fue R Coutard, director de fotografía favorito de la Nueva Ola,
más conocido por su trabajo para Godard. Coutard fue tan innovador como los directores
para los que trabajó y su afición por el movimiento de cámara dramático (planos de seguimiento,
panorámicas, zooms lentos y panorámicas de carrusel) se aprovecha, reflejando la naturaleza
voluble e inquieta de la heroína y subrayando la maníaca alegría de vivir en la primera parte de la película.
Igualmente llamativo es el cambio gradual en el tono de la película, de la euforia al principio a la tristeza
melancólica hacia el final, reflejando no solo el envejecimiento de los protagonistas sino también su
creciente desilusión. La cinematografía de Coutard lleva esta transición tan sutil que apenas se nota, al igual que la partitura de Delerue.

Gran parte de la poesía y el patetismo de la peli proviene de la música nostálgica, que evoca
tanto la sustancia de la novela de Roché (en particular, la sensación de entusiasmo juvenil por la vida que se
convierte gradualmente en polvo) como el diálogo y la narración en off. La célebre canción cantada por Moreau y acompañada por el músico C Bazziak,gustó tanto a Truffaut
que no pudo resistirse a incluirla en la película, y se convirtió en un icono por derecho propio, conocido en todo el mundo.

No tuvo el impacto en taquilla de LOS 400 GOLPES... pero logró atraer a una audiencia de
1,5 millones en Francia y recibió elogios de la crítica. Lo más sorprendente fue su
éxito internacional. Aunque la película fue inicialmente prohibida en algunos
países (notablemente en Italia), demostró ser un éxito mundial y provocó un merchandising al
convertirse en un fenómeno de culto. La novela de Roché no solo subió en las listas de éxitos de
ventas de todo el mundo.
Los souvenirs (gorras, camisetas, etc.) no tardaron en aparecer en las
tiendas. La película aseguró la reputación internacional tanto de Truffaut como de J Moreau y recuperó
la fe de la audiencia francesa en la Nueva Ola en un momento en que se percibía como un rubor que se esfumaba.No ha perdido frescura.Sin ser excepcional,con sus dimes y diretes...
aguanta bien el paso del tiempo.
Y esta proxima semana me hago con ella,eso siempre es buena señal,a ver que tal revisionandola,el libro tambien lo tengo pendiente


7/10
Madeleine Elster

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Ingmar Bergman at his home on the island of Fårö, Sweden
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Desplat pondra musica a la peli de Barbie

https://www.worldofreel.com/blog/202...myl7qo45ajfy12



MEJOR SOLA
Madeleine Elster

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Vaya tela,peeero deseando verla :angel:

The words of Martin Scorsese and Sigourney Weaver for Paul Schrader
“My respect for him as an artist has grown with every movie he’s done,” he said. Martin Scorsese which highlighted that Paul Schrader he has worked in the worst possible conditions and has always known how to adapt to the circumstances, which has allowed him to “always make the film he wanted to make”.

He added, “Her career is a shining beacon of self-expression, she has never stopped growing as an artist. I can’t think of a better role model for filmmakers preparing their first film. Those of you who feel discouraged, watch and be adapt and survive as Paul has.

Something you agreed on Sigourney Weaver one of the protagonists —together with Joel Edgerton— of the last work of paul schrader‘Master Gardener’, presented this Saturday out of competition in Venice.

Weaver highlighted his “extraordinary work” and assured that he is much more than a great director. He recalled that he began as a critic, in 1974 he wrote his first script and shortly after he directed his first film and has created a “diverse career” that has ranged from realism to terror or social criticism, but “always unconventional, original and intellectual” .

He has been “a beacon for American cinema for 50 years” and has shown that it is possible to develop “a personal career in commercial film and work both intellectually and emotionally” to achieve “a vision of one’s own”.
Topa
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La jefa


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Una mujer exitosa quiere desesperadamente un hijo,se cruza con una joven ambiciosa.

Una peli de Netflix típica y topica?¿ Juega al despiste empezando por el título.


Las dos feminas muestran, a medida que avanza el cotarro, más su cara.

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A Sánchez-Gijón (lo mejor de la peli) es fuerte y poderosa pero tiene evidentes puntos débiles. C
Sanz es igual de intensa,de apariencia dulce es rapida y llama la atencion de la gran empresaria.



Opera prima de F Torres, irregular,no aburre pero a medida que avanza hace aguas.. quieres saber sobre estas dos y empatizar algo..más y mejor
¡Los dos personajes principales se merecen el uno al otro!

6/10




Topa
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Qué ganas de ver Los renglones torcidos de Dios.
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PALMARES VENECIA


Competencia León de Oro 2022
León de Oro: All the Beauty and the Bloodshed” de Laura Poitras
León de Plata (Gran Premio del Jurado):“Saint Omer” de Alice Diop
León de Plata (Mejor Dirección): Luca Guadagnino por “Bones & All”
Premio Especial del Jurado: “No Bears” de Jafar Panahi
Copa Volpi a Mejor Actriz: Cate Blanchett por “TÁR”
Copa Volpi a Mejor Actor: Colin Farrell por “The Banshees of Inisherin”
Mejor Guion: “The Banshees of Inisherin” de Martin McDonagh
Premio Marcello Mastroianni a Mejor Actriz o Actor Joven: Taylor Russell por “Bones & All”
Orizzonti
Premio Orizzonti a Mejor Película: “World War III” de Houman Seyedi
Premio Orizzonti a Mejor Dirección: Tizza Covi y Rainer Frimmel por “Vera”
Premio Especial del Jurado Orizzonti: “Bread and Salt” de Damian Kocur
Premio Orizzonti a Mejor Actriz: Vera Gemma por “Vera”
Premio Orizzonti a Mejor Actor: Mohsen Tanabandeh por “World War III”
Premio Orizzonti a Mejor Guion: Fernando Guzzoni por “Blanquita”
Premio Orizzonti a Mejor Cortometraje: “Snow in September” de Lkhagvadulam Purev-Ochir
Premio de la Audiencia (Orizzonti Extra): “Nezouh” de Soudade Kaadan

León del Futuro
Premio Luigi de Laurentiis a Mejor Película Debut: “Saint Omer” de Alice Diop
Documental
Mejor Documental: “Fragments of Paradise” de KD Davison
Queer Lion
Premio otorgado a la mejor película con temática LGBT y cultura queer presentada en el Festival de Venecia.

Queer Lion: “Aus Meiner Haut” (Skin Deep) de Alex Schaad
Semana de la Crítica (Settimana Internazionale della Critica)
Mejor Película: “Eismayer” de David Wagner
Mención Especial: “Anhell69” de Theo Montoya
Premio del Público Film Club: “Margini” de Niccolò Falsetti
Premio Circolo del Cinema di Verona (Película Más Innovadora): “Anhell69” de Theo Montoya
Premio Mario Serandrei – Hotel Saturnia (Mejor Contribución Técnica): “Anhell69” de Theo Montoya
Mejor Cortometraje: “Puiet” de Lorenzo Fabbro y Bronte Stahl
Mejor Dirección de Cortometraje: “Albertine Where Are You” de Maria Guidone
Mejor Contribución Técnica en Cortometraje: “Reginetta” de Federico Russotto
Giornate degli Autori
Premio Gda (Mejor Dirección): “Lobo e Cão” de Cláudia Varejão
People’s Choice Award: “Blu Jean” de Georgia Oakley
Premio BNL Cinema of the Future: Graham Foy por “The Maiden”
León de Oro Honorífico
Premio otorgado para honrar la carrera de personalidades de la industria.

Paul Schrader
Catherine Deneuve
FIPRESCI
Premio otorgado por la Federación Internacional de Crítica de Cine

Mejor Película en Competencia: “Argentina, 1985” de Santiago Mitre
Mejor Película en Orizzonti/Critics’ Week: “Autobiography” de Makbul Mubarak
Venice Immersive – Competencia Realidad Virtual (VR)
Mejor VR: “The Man Who Couldn’t Leave” de Chen Singing
Gran Premio del Jurado: “From the Main Square” de Pedro Harres
Premio Especial del Jurado: “Eggscape” de German Heller
Cine restaurado
Mejor Película Restaurada: “Koroshi no rakuin” (Branded to Kill) de Seijun Suzuki
Madeleine Elster

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Niágara


https://64.media.tumblr.com/1561fd3d89a ... 494d21.jpg

Ray y Polly Cutler llegan a las Cataratas del Niágara, donde esperan pasar en paz su tardía luna de miel. Las
vacaciones empiezan mal cuando se enteran de que su cabaña está ocupada por otra pareja, George y Rose
Loomis. Mientras Rose hace alarde de sus evidentes encantos femeninos a cualquiera que quiera mirar,
George se esconde en el fondo, atormentado por la depresión, la paranoia y los ataques de ira. Sin que su
esposo lo sepa, Rose está teniendo una aventura con otro hombre y los dos han ideado un plan aparentemente
infalible para sacar a George del camino. Efectivamente, cuando George desaparece misteriosamente, Rose
interpreta admirablemente a la esposa sorprendida y ansiosa, hasta el momento en que se le pide que
identifique el cuerpo.
Fox pretendía que NIAGARA fuera un vehículo para impulsar a M Monroe al
estrellato internacional de la noche a la mañana al presentarla como excitante
protagonista de clase A. Durante
noches de insomnio, Marilyn debatió la oportunidad de interpretar a una
seductora asesina en un papel tan desagradable y
sexualizado.
NIAGARA fue escrita y producida por C Brackett, estaba obsesionado
con la idea de una película de suspense ambientada en las cataratas del Niágara.


La perspectiva de la película es desde el punto de vista de Ray y Polly. La polaridad de los
amantes y George y Rose , una pareja disfuncional consumida por los celos, el adulterio y la
venganza, se explora a lo largo de la película. Las cataratas del Niágara simbolizan
la pasión descontrolada rumbo a la tragedia.

Es una película negra en Technicolor que emplea el uso
tradicional del género de ángulos de cámara marcados, sombras dramáticas,
imágenes de contraste e iluminación discreta. La principal excepción es el uso de
Technicolor en lugar de película monocromática. Al más puro estilo del cine negro , el
protagonista de Niagara , G Loomis, tiene defectos de carácter que lo llevan a
la ruina. Sufre estrés postraumático por el combate en la Guerra de Corea, el fracaso
en los negocios y una incapacidad sugerida para satisfacer sexualmente a su esposa.
Este personaje inicialmente simpático se ve contaminado por la agresión y la locura y
finalmente abocado a la perdición.
Traicionado por otro elemento
básico del cine negro, la femme fatale, en la forma de su diabólica esposa.
R Loomis es la mujer fatal,cruel y deshonesta que
lleva a su marido a la locura con su descarada sexualidad, con la esperanza de
comenzar una nueva vida con su amante. NIAGARA fue la única oportunidad que tuvo
Marilyn de interpretar a una mujer narcisista y malvada que prácticamente no tiene
cualidades redentoras, que conspira con su amante para asesinar a su esposo.
El estricto Código de Producción diluyó el sexo y la violencia al exigir que las
parejas de la película durmieran en camas individuales y que la escena de la infidelidad se
desarrollara en un lugar público incómodo, el refugio bajo las estruendosas cataratas.

La femme fatale de Rose se equilibra con una mujer pura y virtuosa que es
comprensiva y servicial con el protagonista. J Peters interpretó el papel
de P Cutler.


Jean tuvo un papel menos interesante pero sintió que estaba a la par con
el liderazgo en la peli de MM... ya que su salario era de mil dólares semanales, el doble
que el de Marilyn. Ella no percibió la película como un vehículo de Monroe, pero su opinión
cambió después del estreno.


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Hathaway expresó su horror ante la apariencia de Marilyn tan vulnerable y
sola en su vida personal. Preocupado de que ella se exigiera demasiado al
conceder solicitudes de entrevistas y fotografías publicitarias, empoderó protectoramente
a su estrella para que se cuidara mejor al establecer límites con el departamento de
publicidad de Fox. Prediciendo que NIAGARA catapultaría a Marilyn a la fama en una
salvaje montaña rusa, Hathaway la animó a asegurar una gestión adecuada, ya que
conjeturó que ella no poseía la capacidad para enfrentar el enorme éxito que se avecinaba.



J Cotten, cuyo debut cinematográfico fue en el clásico CITIZEN KANE
(1941) de Welles , finalmente fue elegido como G Loomis,

quien es a la vez víctima de su intrigante esposa y capaz
de ejercer violencia contra ella. El recuerdo de Cotten de Marilyn era tierno: “Si querías hablar de
ti, ella te escuchaba. Si querías hablar de ella, se sonrojaba. Si querías cantar, ella se unía al
coro… Una chica bastante perdida”.



Fox contrató a H Hathaway como director. La reputación de Hathaway era la de un tirano que
menospreciaba y
maldecía a sus actores. “Para ser un buen director”, dijo Hathaway, “tienes que ser un
bastardo. Soy un cabrón y lo sé.
Hathaway podía ser realmente malo, recordó la coprotagonista Peters
décadas después. Sin embargo, sintió simpatía inmediata por Marilyn, o tal vez ella
derritió su gélido exterior. Hathaway consideró la opinión de Marilyn al editar las
tomas diarias y permitió su aporte a la selección de tomas elegidas para la película
terminada. La encontró “maravillosa, muy fácil de dirigir y
tremendamente ambiciosa para hacerlo mejor. Y brillante, muy brillante. Puede que no
haya tenido una educación, pero era admirable”.
Es difícil saber cuál es la mayor atracción en este convincente thriller de estilo noir, M Monroe o las
Cataratas del Niágara. Ambos son potentes fuerzas de la naturaleza, tempestuosas y seductoras, y ambos
están maravillosamente fotografiados (en glorioso Technicolor)
Un gran éxito de taquilla, esta película aseguró bastante bien el lugar de Monroe
como una estrella de Hollywood, aunque se necesitarían algunas películas más antes de que sus habilidades
de actuación coincidieran con su atractivo fotogénico y carisma.

Si bien Monroe acapara casi todas las escenas en las que aparece (¿y quién no lo haría con ese espectacular
vestido magenta?), el enfoque y la intensidad dramática de la película los proporcionan los actores más
experimentados, J Cotten y J Peters. Con su historia predecible y
caracterización ligeramente cliché, NIAGARA nunca iba a ser una obra maestra, pero el director H
Hathaway saca lo mejor del material con el que tiene que trabajar. La película está filmada con estilo,
emocionante donde debe estar haciendo buen uso de su ubicación exótica. El escenario de las Cataratas del
Niágara no solo es esencial para la trama, sino que también proporciona una metáfora adecuada para las
pasiones mortales e incontrolables.

Con la cinematografía Technicolor de J MacDonald y edición de
B McLean, Marilyn nunca antes había aparecido tan perfecta y etérea
en pantalla.



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Los carteles promocionales presentaban una representación de una colosal Marilyn descansando
a lo largo de las cataratas, adornadas con eslóganes como "¡Marilyn y el Niágara son un
torrente furioso de emociones que ni siquiera la naturaleza puede controlar!"
El estreno mundial se llevó a cabo simultáneamente en las Cataratas del Niágara, Ontario, y las Cataratas del Niágara, Nueva York el 28 de enero de 1953, respectivamente en el Teatro Seneca y el Teatro
Cataract. Marilyn no asistió.




Es increible cómo se trata el rol de ROSE y el de GEORGE...una es la pecora destructora y el otro victima que llega al limite por amor!
El Codigo en 1950s estaba en su apogeo :fiu

7.5/10



Lo que son las casualidades. Brendan está siendo alabado por su interpretación en" The Whale," Esto no sorprende a quien le vimos en la excelente "Gods and Monsters" con Ian McKellen. Película sobre los últimos días de la vida de James Whale.


Madeleine Elster

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Empecé con NOPE...no apunta mal pero la tematica no es para mí,la terminó mi chico...a lo mejor la retomo.
Y esta semana veré CINCO LOBITOS con S Sanchez en el rol de madre como en LA ENFERMEDAD DEL DOMINGO,salvando las distancias..

DEP



A24 anuncia 'MaXXXine', tercer y último capítulo de la trilogía iniciada con 'X'


La franquicia iniciada este mismo año con 'X' contará con una tercera entrega. A24 así lo ha revelado durante la presentación mundial en el Festival de Toronto de la precuela de aquella, 'Pearl', sorprendiendo a los asistentes con un primer avance al final de su proyección.

Bajo el título de 'MaXXXine' esta tercera entrega volverá a estar escrita y dirigida por Ti West y protagonizada por Mia Goth, de nuevo dando vida a Maxine, recordemos, la única superviviente de 'X'. Tras los acontecimientos de aquella, ahora la acompañaremos en su propósito de triunfar como actriz en Los Ángeles de los años 80.

Si bien la película aún no se ha rodado, el proyecto se encuentra en la "vía rápida" después de haber sido aprobado por A24 y su rodaje no tardará en comenzar con vistas a su estreno, a ser posible, en algún momento de 2023.

Entre tanto, la mencionada 'Pearl' llegará a las salas de cine de Estados Unidos este mismo fin de semana, sin que por el momento sepamos que será de ella en España toda vez que eOne Films, la distribuidora de 'X', ha cesado su actividad en nuestro país.
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Suspiria
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Pones ahí a Melville, ADORO a ese director, creo que tiene una filmografía fantástica y Alain Delon hizo tremendas películas junto a él. Justicia para Alain Delon, cuando muera se dirá que era una belleza sin igual y tal y cual y se incidirá en aspectos sensacionalistas de su vida y su carácter pero oigan, ese hombre ha participado en muchos peliculones que no me cansaré de revisar nunca. Un respeto.

Pues DEP Godard, ya he dicho alguna vez en este hilo que soy una cinéfila sacrílega por no ser devota de este cineasta pero, aun así, sé reconocer su genialidad y sí he disfrutado unas cuantas películas suyas (otras me han interesado, simplemente, que no es poco). No sé por que he tenido siempre la manía de oponerlo a Antonioni como si hubiese que elegir entre uno y otro (????) y mi corazón ha pertenecido siempre a Italia, ya me diréis a cuento de qué montarme esas rivalidades, traumas de filmoteca o algo.

También estos días aciagos se nos han ido la estupenda Irene Papas y el gran escritor y mejor colega de cinefilias Javier Marías, toda la atención mediática puesta en las garrapatas de Windsor y el mundo de la cultura perdiendo iconos uno tras otro. Así va el mundo, meh...
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Madeleine Elster

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Tampoco soy devota de Godard, tiene trabajos que me gustan y ahora que estoy redescubriendo la Nouvelle Vague me toca ver algunas de él.

DELON tiene una filmo extraordinaria.


Cinco lobitos
https://www.imdb.com/title/tt14755038/

https://64.media.tumblr.com/d7adfee5653 ... 89da66.jpg

Amaia (L Costa) y Javi (M Bustamante) han tenido un bebé. Asistidos y atosigados por los padres de Amaia: Begoña (S Sanchez)
que constantemente recuerda a la pareja errores y Koldo (R Barea). Las primeras escenas de la peli hacen un retrato fidedigno,con una Amaia abrumada haciendo malabares con su niña y trabajo en casa mientras Javi tiene que desplazarse laboralmente sí o sí porque es lo que hay

Cuando Javi está ausente, Amaia no puede sola.Marcha a casa de sus padres
El caos continua,en un desarrollo
inesperado, Begoña cae enferma

La peli funciona en el enfoque de estas mujeres.. madres que no son
heroínas ni víctimas.Ambas actrices hacen un trabajo fantástico y matizado, especialmente
cuando están juntas. Tal vez inevitablemente, las mujeres se sienten atraídas con más
compasión, luz y sombra, y emprenden viajes emocionales más convincentes.


Atmosféricamente claustrofóbica,escenas en su
mayoría en espacios sombríos con incursiones ocasionales al aire libre, una de las cuales saca un secreto del armario
de Begoña que desencadena una comprensión más profunda entre Amaia y su madre.
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Peli cuyo título podría ser una metáfora de sus personajes o no?¿

Me ha gustado pero sin entusiasmos...especialmente ese portento que es S Sanchez,pero la veo sobrevalorada con ganas.No es pa tanto.Está bien esa conexion entre escenas pre y post y concluyendo.. es una buena opera prima.Menos mal que el tono sensiblero asoma una mijita y prou.

6.7/10
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Romana
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  Todo el cine actual y de antaño

No me gusta el cine de Godard, pero me da mucha pena que haya acabado así, teniendo que pedir la muerte porque esta no le llegaba.

El otro día, en la radio, comentando su fallecimiento, hablaron sobre Françoise Hardy, que no sé si recordáis que también había pedido la eutanasia porque sufre cáncer desde hace más de 20 años... Por lo visto por el verano hablaron con ella y dijo que el final ya estaba muy cerca, así que probablemente también se vaya en los próximos meses :triste: .
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Topa
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No veo el momento!

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Madeleine Elster

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Romana escribió: 16 Sep 2022, 14:05 No me gusta el cine de Godard, pero me da mucha pena que haya acabado así, teniendo que pedir la muerte porque esta no le llegaba.

El otro día, en la radio, comentando su fallecimiento, hablaron sobre Françoise Hardy, que no sé si recordáis que también había pedido la eutanasia porque sufre cáncer desde hace más de 20 años... Por lo visto por el verano hablaron con ella y dijo que el final ya estaba muy cerca, así que probablemente también se vaya en los próximos meses :triste: .

Pocas horas después del anuncio de su muerte, el diario Libération nos informó que el cineasta había recurrido al suicidio asistido. Todavía no medimos completamente el efecto de esta noticia en nosotros. La admiración que despierta la claridad y agudeza de tal decisión. Pero también un sentimiento más indistinto, el arrepentimiento más infantil de pensar que esta separación podría haberse retrasado aún más. "No estaba enfermo, simplemente estaba agotado", dijo un pariente a Libération. Así que tomó la decisión de ponerle fin. Era su decisión y era importante para él que se conociera". Importante para él que se conozca. En un momento en que se está preparando en Francia una consulta ciudadana sobre el derecho a disponer de la propia muerte, uno solo puede sentirse perturbado por la forma en que durante más de sesenta años y hasta su decisión final, Jean-Luc Godard siempre ha estado en la cita de las preguntas más vívidas de su tiempo. Desde hace mucho tiempo, uno de los más grandes artistas de la historia. Pero también uno de los mayores interrogadores del presente.

https://www.lesinrocks.com/





Topa escribió: 16 Sep 2022, 15:43 No veo el momento!

https://pbs.twimg.com/media/FcuBhWtXkAA ... name=large

Si.








Diabel



https://64.media.tumblr.com/998bf9ca8c6 ... a47a7a.jpg

1793,durante la invasión del ejército prusiano a Polonia, un noble polaco Jakub es salvado del encarcelamiento por un extraño que quiere a cambio obtener una lista de compañeros conspiradores de Jakub. Siguiendo al misterioso personaje por todo el país, Jakub asiste al caos general y corrupción
moral.
El primer largometraje de Zulawski fue una película sobre la

ocupación alemana de Polonia en la Segunda Guerra Mundial y basada en una novela de su padre,

M Zulawski. Su segunda película DIABEL fue prohibida en su Polonia natal y él acabo mudándose a Francia. Parecería, entonces, que

debe haber algo que causó tanto alboroto no solo para

prohibir la cinta, sino también para empujar al director a mudarse a una tierra extranjera.La prohibición se basó en su disidencia política simbólica cuya controversia puede perderse en una audiencia occidental ignorante de la política de Europa del Este en la
Guerra Fría. Pero incluso si no supieramos de Polonia a mediados del siglo XX, todavía podemos apreciar la cinta de Zulawski por lo que es: confusa y entrecortada llena de crisis mentales y asesinatos viciosos.
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Abrimos con un hombre misterioso que llega a la ciudad y busca a cierto preso político. Es llevado a Jakub

(L Teleszynski) y lo envía fuera de la prisión y de vuelta a casa, junto con una monja de acompañante.

Jakub había sido encarcelado por crímenes contra el rey ( en la Polonia de finales de 1700), y su liberación coincide con una sangrienta batalla que ha dejado muchos muertos y aún más enfermos.. vagando, gritando y confundidos. Poco sabe Jakub que su libertad será más una condena camuflada, ya que cada momento que avanza es solo otro en una serie de eventos desafortunados, descubrimientos y acciones que lo empujan cada vez más al ocaso.

EL DIABLO de Zulawski es similar a HAMLET en muchos aspectos,Jakub incluso se encuentra con lo que parece un teatro comunitario que representa la tragedia y hay una historia semi-edípica.
Cada personaje, en un momento u otro, parece estar volviéndose loco. La escena inicial tiene al hombre misterioso buscando a Jakub entre masas de gente delirando, y el tono continúa durante las casi dos horas de duración.
Interesante,bien filmada donde la sobreactuación en realidad ayuda a aumentar la sensación maníaca de cada rol. Rara,confusa con un desenlace WTF ...una película que podría no tener mucho sentido a priori y que me ha interesado de principio a fin.
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7.5/10


Madeleine Elster

  Todo el cine actual y de antaño




Helmut Berger and Lino Capolicchio in The Garden of the Finzi-Continis, 1970
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No es el tipico score de John Powell

El britanico se ha tomado en serio el componer al estilo de Zimmer cuando trabajaba con Nolan, basicamente, lo que Olivia Wilde ha dicho
Madeleine Elster

  Todo el cine actual y de antaño

Evilqueen escribió: 25 Sep 2022, 09:01 Palmarés Zinemaldia 2022

Concha de Oro a Mejor Película: Los reyes del mundo de Laura Mora Ortega

Concha de Plata a la Mejor Dirección: Genki Kawamura por A Hundred Flowers

Concha de Plata a Mejor Interpretación Protagonista: Paul Kircher por Le Lycéen y Carla Quílez por La Maternal

Concha de Plata a Mejor interpretación de reparto: Renata Lerman por El suplente

Premio especial del jurado: Runner de Marian Mathias

Premio del Jurado a Mejor Guion: Wang Chao y Dong Yun por A Woman

Premio del Jurado a Mejor Fotografía: Manuel Abramovich por p**no

Premio Nuev@s Director@s: Fifi de Jeanne Aslan y Paul Saintillan

Premio Horizontes: Tengo sueños eléctricos de Valentina Maurel

Premio Zabaltegi: Godland de Hylnur Pálmason

Premio del público: Argentina, 1985 de Santiago Mitre

Premio del público a la mejor película europea: As bestas de Rodrigo Sorogoyen

Premio Irizar al cine vasco: Suro de Mikel Gurrea

Premio Cooperación Española: Ruido de Natalia Beristain

Premio Feroz Zinemaldia: Los reyes del mundo de Laura Mora Ortega





BLONDE

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Hemos visto varios intentos de llevar al menos una parte de la complicada y, en última instancia,
trágica vida de Monroe a la pantalla grande. La última viene del guionista y director A
Dominik que ha optado por apostar por una versión novelada de la vida de la icónica actriz
estadounidense, algo similar a lo que hizo Larraín con Diana de Gales en "Spencer".

BLONDE es un dramón psicológico, una adaptación de la novela del
mismo nombre de J C Oates.
Si bien su intención es ponernos en la
piel de Marilyn. la película sigue tan intensamente su sufrimiento que no deja espacio para otros aspectos.. todo es un largo calvario.
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La estrella de la película, Ana de Armas, merece elogio por capturar el glamour de Monroe y su vulnerabilidad,a medida que avanza la peli mejora su actuacion.
A partir de 1933 en Los Ángeles, Dominik establece cómo la trayectoria de la vida de Marilyn fue
moldeada por su infancia traumática. Nació como Norma Jeane Mortenson y creció con una madre
abusiva (una muy buena J Nicholson) una esquizofrénica y un padre
ausente que persigue a Marilyn durante toda la película. Pero la mayor parte de la historia (omitiendo mucho de la obra de Oates) tiene lugar
a través de la década de 1950 cuando se transforma de chica de portada de
revistas y calendarios a la celebridad más grande de Hollywood.
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Para ser justos, es completamente cierto que la novela trata de la deshumanización de Marilyn por parte de la industria, el público y todos los demás.
Pero eso no borra los tambaleos en la película a la hora de adaptarlo a la pantalla
Dominik tiene buen ojo para enmarcar tomas,diferentes aspectos de ratio y uso de color y blanco y negro,pero la peli es reiterativa en su metraje.
Combo total:
6.7/10


Maigret


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G Simenon escribió 75 novelas de Maigret.

Hay adaptaciones y interpretaciones por todo el
mundo.

Durante las últimas décadas, el personaje se había quedado
prácticamente en silencio, hasta que el director P Leconte decidió que era el momento adecuado para un nuevo Maigret. El papel se
le ofreció a D Auteuil. Cuando la pandemia retrasó la película, el papel recayó
en Depardieu.

En un breve preámbulo, vemos a una mujer joven nerviosa,
se la viste con un vestido de alta gama,la asistente coloca una piel
blanca alrededor de su cuello para completar el atuendo.
Al día siguiente, se encuentra un cuerpo en un parque y Maigret, de quien
sabemos que está barajando jubilarse ya que su salud tambalea. A partir de ahí, esta adaptación de la novela Maigret et la Jeune Morte (1954) se desarrollará en una sucesión de escenas bellamente acometidas.

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Maigret es un personaje tranquilo e interiorizado. Tiene una presencia física
imponente, pero habla poco. Él escucha y permite que la gente confíe en él.
Confía en sus subordinados y busca encontrar solo la verdad, mientras hace el
menor ruido posible.

El París de epoca se evoca maravillosamente,diría que demasiado pulcro. La paleta de colores desteñidos y los interiores recreados bien.
Depardieu sigue siendo asombroso. Su Maigret es un hombre herido,
melancólico . Depardieu transmite todo esto con
quietud y silencio, mientras que Leconte enmarca cada momento sin perder el interés del que ve.
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Alrededor de Depardieu, todo el mundo parece perfectamente elegido.
Maigret es, finalmente, una pequeña película donde no hay grandes revelaciones pero sí un buen hacer.Y por ello el combo total es de:
7.3/10
Madeleine Elster

  Todo el cine actual y de antaño

Parece que se reactiva el proyecto :angel:

Robert Eggers Officially Set to Shoot ‘Nosferatu’ This Fall, With Anya Taylor-Joy as Lead
https://www.worldofreel.com/blog/2022/9 ... ts3kyjfazo
Madeleine Elster

  Todo el cine actual y de antaño

Maravillosa MM :angel:





Julie Marsden : Well say it. What are you thinkin'?

Aunt Belle : I'm thinkin' of a woman called Jezebel who did evil in the sight of God

https://64.media.tumblr.com/9b064cafbe8 ... 95aebb.jpg
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Con el mitico nombre de JEZEBEL...W Wyler dirigió en 1938 a la más grande,30 años tenia BETTE reflejando clase,temperamento,capacidad interpretativa y personalidad en total esplendor.
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Como tantas pelis de la época dorada jolivú parte de una obra teatral de O Davis,estrenada en 1933 por T Bankhead más tarde sustituida por M Hopkins.
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El escenario es trasladado por Wyler de igual manera al Sur en Nueva Orleans poco antes de la Guerra de Secesion.
Los personajes se mueven en un entorno en el que impera la honorabilidad,los duelos por cualquier nimiedad se suceden a diario y cómo no las mujeres cumplen a rajatabla con todo ese mundo patriarcal.

JULIE MARSDEN,es caprichosa,una mujer de caracter ante el mundo que la rodea.El titulo comparandola con la biblica es harto exagerado,nuestra prota es rebelde y antojadiza pero poco más,lo que ya es bastante en la sociedad en la que vive.
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Prometida con el banquero PRESTON (apuesto H Fonda)...disfruta impacientando al novio,flirteando con B CANTRELL (excelente G Brent en el que creo que sería su mejor dueto con Bette)... devaneos que acabarán costándole caro junto a su indómita arrogancia como si de una tragedia griega se tratara,castigo que tendrá su desenlace redentor,algo que se utilizo en la época en diferentes pelis,la mala mujer tenía que pagar por sus pecados..
La cinta comienza con una ilusionada JULIE y un primer tono con pinceladas cómicas costumbristas para pasar al melodrama tremebundo.
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JULIE en el colmo de sus caprichos decide contra viento y marea asistir a un baile de gala luciendo un descarado y vulgar vestido rojo (vestuario de O Kelly) frente al blanco impoluto de las damiselas.El aguante de PRESTON pasa de límite...la situacion es realmente incomoda y con estoicismo el hombre obliga a la pécora a bailar mientras el resto de parejas van abandonando la pista hasta quedar ellos tan solo y pararse la música,en un arranque espeta que vuelvan a tocar.
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Instante espectacular y bellísimo.Los roles se invierten,JULIE está avergonzada y todo explosiona con la despedida de PRESTON y su ausencia durante un año rumbo a Nueva York.
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Durante ese tiempo,el arrepentimiento hace mella en nuestra heroina sureña,cuando se entera de que su amado regresa está dispuesta a todo para hacerse perdonar,pero PRESTON no vuelve solo,se ha casado con una yanqui!!


Ese momento está captado de manera sobresaliente,sorpresa y decepcion que traspasa la pantalla con una DAVIS prodigiosa arrodillada suplicando perdón.
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Guion hilvanado por C Ripley,A Finkel y J Huston,fotografía de E Haller y musica de M Steiner.

Y comó no la direccion de WILLIAM WYLER con pinceladas expresionistas,me gusta mucho el momento en el que JULIE va en busca de PRESS enfermo.Un Fonda guapo pero desdibujado ante la heroina,a destacar F Banter como A BELLE fantástica...personalmente creo que es el mejor tandem para Davis en la peli,y por supuesto tienen el momentazo JEZEBEL,merecidísimos premios de la Academia aquella temporada.Destacar a la preciosa T Harris,la doncella negra y T Dillard,el hermano de Fonda en la peli que tambien atesora otro impactante capitulo,su duelo con CANTRELL.
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Todo ello transcurre con la terrible peste amarilla que se extiende por todo Nueva Orleans.El contagio de PRESTON desencadena el sacrificio final de JULIE tras la commovedora conversacion con la esposa del norte de PRESS,encarnada por M Lindsay a la que Wyler tambien saca el máximo provecho.
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En fin,una pelicula sobresaliente,no sé si llega al mérito de obra maestra pero desde luego está hecha en estado de gracia pleno,es un placer volver a revisionar cintas como esta.



10/10
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Illinoise
Abrazaárboles
Mensajes: 13631
Registrado: 12 Feb 2018, 01:44
Ubicación: Filosofeando malamente

  Todo el cine actual y de antaño

Joder, llevo como dos años casi sin ver pelis con regularidad y no sé ni con qué ponerme. Creo que voy a tirar por pálpitos que es lo que mejor me ha ido siempre.

Me voy a bichear y a hacerme una lista.
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Suspiria
Rusa
Mensajes: 7662
Registrado: 12 Feb 2018, 02:04
Ubicación: Goth-adjacent

  Todo el cine actual y de antaño

Blonde me ha gustado pero es muy fragmentaria y echo en falta elementos de la novela que me parecen importantes, además de mayor presencia de algunos personajes, aunque siendo notoriamente tan ardua de adaptar tampoco puedo decir que esperase un resultado muy distinto o muy superior a este. Destaco a Ana y la música de Cave & Ellis, que me parece una pocholada.

Jezebel qué joyaza :wub:

De las pelis que he visto recientemente he de mencionar Speak No Evil debido al desconcierto que me provocó. Me pasé casi todo el metraje con unas expectativas y, de repente, la película me dio una bofetada que me cortó completamente el rollo. Para bien y/o para mal. Si se ve, aconsejo que sea a ciegas, sin leer nada sobre ella.

@Madeleine Elster espero que estés viendo la serie Bad Sisters, aunque sólo sea por tu amado Claes Bang en un rol muy distinto a lo que estamos acostumbradas, pero maravilloso como siempre :sip:
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